2.2. Vuelta a la figuración
Importante
En esta sala veremos el Pop Art, la Neofiguración y el Grafitti.
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Tríptico, Francis Bacon. Imagen de © 2017 Estate of Francis Bacon / Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London. Alojada en MOMA. |
A mitad del siglo XX, quizás cansados de algunos experimentos, que parecían ya carentes de significados, pues parecía que algunos artistas se empeñaban en experimentar por experimentar, sin que este trabajo tuviera en cuenta la comunicación, algunos autores retornan a la figuración. Sin duda, una de las claves de la evolución del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial es la ruptura entre el arte y el público, que en muchos casos es absolutamente ajeno a las obras. Éstas parecen convertidas en «gritos autistas» que no comunican y ni siquiera emocionan. La nueva figuración (también llamada Neofiguración o conocida con otros nombres) preconiza de alguna manera la vuelta a la comunicación, que es, al menos parcialmente, un retorno al objeto. Sin duda, no se trata de un movimiento—como nos referimos, por ejemplo, a las vanguardias—, porque los autores no se reconocen «dentro» de la etiqueta; además, hay entre ellos notables diferencias.
Se trata, frente al expresionismo abstracto, de un movimiento plenamente europeo, pero con diferencias. Mientras que en gran Bretaña encontramos básicamente una figuración de corte expresionista, en Francia tenemos a la Escuela de París, que da mucha importancia al color. El movimiento, si se puede llamar así, arraigó fundamentalmente en los países hispanohablantes (España, Argentina, Venezuela, México…) y tiene como característica común el rechazo de la abstracción como medio de expresión y el retorno de la figuración (de ahí su nombre). Se trata de presentar las cosas que nos rodean con toda su crudeza; los artistas reclamarán su libertad expresiva, aunque esto suponga, de alguna manera, deformar la realidad.
Las técnicas no son, sin embargo, las tradicionales de la pintura figurativa, sino que ahora encontramos técnicas que tienen su origen en las vanguardias: collage, informalismo, expresionismo…Los materiales deben expresar en sí mismo algo mediante la representación de las cosas («objetos»), fundamentalmente de la figura humana; pero la materia misma se hará objeto de las obras, pues acaba convirtiéndose en metáfora en el marco de la figuración. Éste es el caso, como veremos, del pintor anglo-irlandés Francis Bacon, aunque su obra ha sido catalogada de muy diversas maneras. Como no se trata de un movimiento artístico stricto sensu, encontraremos muchas diferencias y la evolución será diferente. Hay que hacer notar, pese a todo, que buena parte de la Nueva Figuración comparte la denuncia social y política.
El Pop Art
Aunque lo pueda parecer, el Pop Art (o Arte Pop, hablemos con propiedad) no es un estúpido movimiento en el que los artistas se ponen a crear obra fáciles para un público lento. Si lo pensamos, es más bien un arte muy político, y muy consciente de la realidad de nuestra sociedad de consumo. Otra cosa es que te guste o no esa sociedad.
Los artistas pop, en realidad, documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces y sus sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, el consumo, las modas, la democracia… Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse.
El arte, más que nada, es otro producto, y para un mayor rendimiento se puede producir en serie.
Nuestra cultura es superficial, es inexpresiva e impersonal. Es repetitiva y saturante. Es casi una religión con sus iconos (logotipos publicitarios), sus santos (celebridades) y sus liturgias (consumir) que nos anestesian para olvidar los problemas graves que nos acechan.
Llegados a este punto, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte.
Y eso, amigos, es toda una revolución artística
Andy Wharhol, Richard Hamilton y Roy Lichentein
Andy Warhol quería ser famoso. De hecho se podría decir que nadie estudió tanto el concepto de fama como él. Creador, consumidor, crítico de la fama, este artista empaquetó y vendió la marca Andy Warhol como un producto más de la sociedad de consumo. Y lo hizo tan bien, que los quince minutos de fama a los que tiene derecho todo el mundo, le duraron décadas.
A lo largo de su carrera, el artista cultivo el dibujo, la pintura, serigrafía, escultura, música, cine, televisión, moda, performance, teatro, fotografia e incluso arte digital.
Warhol fue pues, un hombre del renacimiento en una época culturalmente saturada de elementos. Un visionario sobre que se olió en qué se convertiría el mundo a la larga: en una serie de modas de usar y tirar, subculturas que se vuelven culturas, prensa amarilla sustituyendo a la información y reallity shows sustituyendo a la vida misma.
Richard Hamilton fue (simplificándolo mucho) el Andy Warhol británico. Él fue el máximo representante del Pop Art en la isla europea. Tras la austeridad de la posguerra en el Reino Unido, surgió en los años 50 un grupo de artistas que quisieron representar la cultura consumista de su tiempo y eliminar la barrera divisoria entre una botella de coca-cola y la Victoria de Samotracia, o entre la portada de un disco de los Beatles y un cuadro de Tiziano.
Hamilton fue el abanderado de la nueva corriente desde el primer momento.
Fecha clave fue la exposición de 1956 This is tomorrow, donde diseño su conocido collage «¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?» y dejó a todos con la boca abierta, marcando de paso el inicio del Arte Pop.
Más tarde, ya consolidado, realizaría trabajos legendarios como el White Albumde los Beatles.
Roy Lichtenstein fue una de las figuras clave del pop norteamericano y como tal sacó la inspiración para su obra tanto del arte popular: anuncioscomerciales, revistas, comic…; como de la historia del arte tradicional: Art Decó, cubismo, expresionismo abstracto (en el que militó al principio de su carrera). La obra de Lichtenstein se caracteriza por su ironía (es algo de lo que los artistas pop presumían, a veces disfrazado de snobismo o superficialidad…), el uso de puntos benday (utilizados en artes gráficas) y colores industriales, el lenguaje del cómic(onomatopeyas, viñetas, narrativa) y el dominio de la línea.
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Marilyn, Andy Warhol. Imagen de © 2017 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / Artists Rights Society (ARS), New York. Alojado en MOMA |
Imagen de © 2017 Hamilton / Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London. Alojada en MOMA |
Mujer en el baño, Lichtenstein Imagen del Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (España) |
Rauschenbeg y Equipo Crónica
Robert Rauschenberg fue uno de los artistas que vivió esa tensa transición entre el expresionismo abstracto y el Pop-Art. El creador consideraba al expresionismo un movimiento un poco pedante, y además propio de hombres viejos, por lo que quiso volver a hacer un arte que retratara la realidad, aunque fuera de la monótona vida de los Estados Unidos en la época de Eisenhower. Con ello abrió las puertas de lo que después haría Warhol y cía. Al principio, a falta de un nombre para lo que hacía, fue considerado un neodadaísta. Su arte estaba hecho de despojos de la sociedad de consumo, mezclas de pintura y escultura, pinturas absolutamente blancas e incluso borrar dibujos de Willem de Kooning.
En 1964, en el tardofranquismo, nació Equipo Crónica basándose en las propuestas que hizo Tomás Llorens, historiador y crítico de arte, ferviente partidario de la renovación de las ideas estéticas en España, pero debía tratarse de una renovación crítica, es decir, que contribuyera a la transformación de la sociedad. Equipo Crónica estuvo formado por Rafael Solbes, Juan Antonio Toledo y Manuel Valdés, aunque Juan Antonio Toledo abandonó el grupo en 1966, momento en que el resto del grupo pasó a firmar sus obras de manera colectiva. Y, en efecto, Solbes y Valdés trabajaban conjuntamente después de reflexionar, tanto de manera individual como colectiva, sobre los objetivos de las obras que les eran propuestas.
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La salita, Equipo Crónica. Imagen alojada en la web de la Fundación Juan March. |
El compromiso socio-político fue fundamental en Equipo Crónica, que estuvo activo durante todo el período final del franquismo y los inicios de la democracia. Ese compromiso les llevó a buscar ser entendidos (críticamente) por un público que parecía lejano a las vanguardias estéticas. De ahí el rechazo del informalismo y de la abstracción (expresionismo abstracto): convirtieron sus obras, en las que la figuración desempeña un papel central, en una verdadera crónica de la sociedad de la época. Fue muy importante la mirada crítica sobre la realidad (véase, por ejemplo, Deformación profesional o Condecoraciones).
Se sirvieron de diferentes medios para alcanzar sus objetivos: fotografía, collages, repetición de imágenes… Se trataba de que el público desarrollase una mirada crítica sobre la sociedad. Por eso, también usarán en muchos casos obras procedentes de la historia (Velázquez, Goya, Picasso…), pero situándolas en nuevos contextos con lo que su significación cambiaba radicalmente (véase, por ejemplo, La rendición de Torrejón). Experimentaron la influencia del arte pop, pero mantuvieron una distancia crítica con éste (véase lo dicho a propósito del arte pop como ideología de consumo: «Ponga un Warhol en su salón»). Usaron también imágenes procedentes de los medios de comunicación e hicieron series, quizás para facilitar la comprensión de sus intenciones éticas, que eran a la vez estéticas (puede verse la serie La recuperación, una verdadera crítica a las maneras en que en España se llevó a cabo la industrialización y la introducción del consumo de masas).
Sin duda, Equipo Crónica fue el grupo con más repercusión social en la época y sus obras han quedado como iconos de una etapa de cambios fundamentales en la reciente historia de España.
Para saber más
El Arte Pop en España
España recibió igualmente las influencias pop, aunque no se puede hablar de que hubiera un movimiento unitario. Adquirió un mayor peso la temática erótica y el tono político, teniendo como marco de referencia la represión que sufría el país. Algunos de los principales artistas son Eduardo Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo, con su fascinación por las nuevas autopistas españolas que refleja en su serie de Autopistas.
Orcajo, la belleza y la destrucción [Cortometraje documental]
Vídeo de Dani Campos alojado en YouTube
Importante
- A mitad del siglo XX algunos artistas retornan a la figuración.
- No se trata de un movimiento artístico en stricto sensu, sí es plenamente europeo y rechaza la abstracción con medio de expresión.
- Las técnicas tienen su origen en las vanguardias como el collage.
- Hay muchas diferencias entre las tendencias de la nueva figuración y también una evolución diferente.
Pregunta Verdadero-Falso
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La nueva figuración a aparece a mitad del siglo XX.
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Hay muchas diferencias entre las corrientes de la nueva figuración
Neofiguración
La Nueva figuración o Neofiguración es un movimiento artístico nacido en la segunda mitad del siglo XX, y como bien dice su nombre, es una vuelta a la pintura figurativa después de tanto expresionismo abstracto y otros tipos de abstracción.
Eso sí, es una figuración distinta, no del todo divorciada de lo abstracto, más bien se enriquece con sus aportaciones.
Por supuesto no hay dos nuevos figurativos iguales, pero podemos decir que la mayoría de ellos le dan el protagonismo a la figura humana, y juegan con el expresionismo en colores, gestos, atmósferas o temas.
Destacamos en importancia a los artistas de la Escuela de Londres, que se dedicaron a la figura en la época culmen del arte abstracto.
Grafitti
Se llama grafiti, graffiti o pintada a un modo de pintura o arte visual callejero, por lo general ilegal o paralegal, que es generalmente realizada en superficies amplias de espacios urbanos: paredes, portones, muros, etc.
Existen tres grandes tipos de grafiti, aunque no haya un estudio formal de los mismos, ni reglas demasiado estrictas para su elaboración:
- Art graffiti. Asociado a la cultura hip-hop de las décadas del 70 y 80 en los estados unidos, tiende a representar motivos más o menos abstractos, nombres (“tags” o etiquetas: nombres en clave) o mensajes recurrentes, siempre mediante un despliegue de colores y de formas que en ocasiones toma varios días terminar.
- Grafiti público. Los “lemas” públicos que aparecen en una ciudad y reiteran eslóganes o mensajes políticos, más o menos satíricos o groseros, tratando de dar un mensaje a las masas. También entran en esta categoría los grafitis de protesta.
- Latrinalia. Se llama así al grafiti poco elaborado, grosero y por lo general de baja ralea que predomina en baños públicos y espacios de tránsito, como puertas, ascensores, trenes, etc. Pueden ser desde confesiones de amor, amenazas, denuncias hasta intentos de poesía o de relato.
La historia contemporánea del grafiti no tiene un inicio claro, así como tampoco una conexión explícita con sus antecedentes romanos ya mencionados. Las paredes se han llenado de mensajes anónimos en diversas ocasiones y ante distintos procesos sociales o políticos.La aparición de la pintura en aerosol a mediados del siglo XX, permitió que el graffiti tomara un mayor cuerpo en las ciudades, y a partir de entonces se volvió una herramienta común en la expresión y el marcaje tribal de los territorios de las pandillas, ganando luego realce como forma de expresión callejera anónima pero armoniosa, a través de paisajes, figuras y diseños originales, que en ocasiones podían repetirse a lo largo de diversas ciudades del país o incluso del mundo.
Hacia los años 90 el movimiento del grafiti artístico había cobrado la fuerza suficiente para reinventarse en métodos (esténcil, gigantografía, empapelado y otras técnicas del diseño gráfico y publicitario) y granjearse cierto interés sociológico e incluso artístico, naciendo así el Street Art, del que son expositores artistas más o menos conocidos como Bansky, Shepard Fairey, Jean Michel-Basquiat, Mr. Brainwash y un enorme etcétera.
Banksy
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Hombre desnudo, imagen obra de Banksy, en Park Street, Brístol Imagen en Wikimedia Commons. Dominio público |
Banksy es el seudónimo con el que se conoce al artista más representativo del Street Art (arte callejero) en la actualidad. Aunque no se tienen datos biográficos sobre él, se cree que nació en una localidad cercana a Bristol en 1974 y que después se trasladó a la ciudad, en donde pasó su juventud. Un estudio reciente de la Universidad Queen Mary de Londres identifica al artista como Robin Gunningham y confirma que nació y se crió en Bristol.
Banksy es un artista que ha sido capaz no solo de elevar el grafitti a la categoría de arte sino que además se ha dotado de una personalidad que fascina a mucha gente en medio mundo. Sus creaciones visiones muy diferentes de las que muestran los grandes medios de comunicación y realiza sus obras en todo el mundo, lo cual ha fomentado el crecimiento de esos rumores alrededor de su persona.
Keith Haring
Keith Allen Haring, un icono del grafiti, la generación pop y la cultura
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| Imagen de © 2017 Keith Allen Haring / Alojada en MOMA |
callejera de la Nueva York de los años 1980. Esta década debe lo mejor de su estética a este artista que supo convertir en iconos sus simples formas similares a dibujos animados. Su muy particular obra abarca desde el metro de Nueva York hasta el muro de Berlín.
Dió a otros artistas de la época como Jean Michel Basquiat,Haring pasó de las calles más lumpen a los más prestigiosos museos y galerías del mundo.
Más tarde empezó a dibujar sus típicas historietas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad (por ello sería arrestado en varias ocasiones al acusarlo de daño a la propiedad pública) y su estilo traspasó fronteras y élites culturales. Cualquier persona de cualquier país (casi) puede reconocer hoy en día una de sus figuras, aunque no sepa exactamente quién es el autor.
Cada vez metió más contenido político en su obra, expresando muy simple y complejamente a la vez conceptos como muerte, enfermedad, sexo y guerras.
Ya consolidado se convirtió en estrella en 1986 al pintar un trozo del muro de Berlín. Pero estaba ya enfermo. Murió víctima del SIDA en Nueva York en el año 1990.
Reflexión
¿Por qué se produjo una vuelta al arte figurativo con el Equipo Crónica?
Para saber más
España durante este periodo está inmersa en la dictadura franquista, la incomunicación produce un evidente estancamiento en el mundo artístico. Buena parte del núcleo de creación española había marchado al exilio y esto produjo no sólo aislamiento, sino una ruptura con los movimientos previos a la Guerra Civil. Podría hablarse de una situación de erial cultural; por eso tienen mucho mérito los movimientos creados en la posguerra. La situación mejorará con la creación de lagunas escuelas artísticas como la Escuela de Vallecas
Juan Cuenca y el Equipo 57.
Vídeo de AlSurVideos Programa. Alojado en Youtube
Caso práctico
OBRA COMENTADA: Marilyn de Andy Warhol
