Catedral de Reims. Ángel de la sonrisa Imagen de Vassil en Wikipedia. Dominio público

Al igual que ocurre con la pintura, la escultura gótica se inclina por el naturalismo, por representar a los personajes de la cristiandad con un aspecto más humano, más cercano a los hombres y a la Tierra donde habitan.  El gótico es una continuación natural del Románico pero aunque compartan similitudes, como tipos iconográficos definidos como el Pantocrátor y una dependencia a la arquitectura, también presenta notables diferencias con la plástica anterior, y podemos observar una mayor especialización de los artistas y mejores acabados técnicos.  

Características generales:

• Naturalismo, es una plástica que se inspira en la naturaleza para buscar la belleza ideal universal e imperecedera. Esto se debe en gran parte a una nueva forma de entender la biblia y la religiosidad, a lo que contribuyó decisivamente San Francisco de Asís de acercar lo divino y lo humano mediante la naturaleza, a encontrar la belleza de Dios en la naturaleza y las pequeñas cosas, y veremos cómo paulatinamente la vegetación y el reino animal irán ganando terreno tanto en la escultura como en el resto de manifestaciones artísticas de los siglos XIII al XV.
• Humanismo y realismo. Ya no valen las deformaciones y los simbolismos románicos, sino que ahora las figuras adquieren proporciones más humanas y reales, incluso adoptan gestos propios de cualquier persona: ya no son figuras distantes e hieráticas, sino que hablan, conversan y hasta sonríen. Recuerda que desde mediados del siglo XV gracias a los flamencos las figuras ganan en realísimo y se representan imperfecciones en los rostros, arrugas, calvicies, y este paso del naturalismo idealizado al realismo más verosímil se produjo primero en la escultura.  
• Mayor variedad de temas. A la iconografía románica de Cristo y santos, se suman los temas marianos, es decir, a la vida de la Virgen María y su papel de intermediaria en el Juicio Final, el tema por excelencia de los conjuntos escultóricos del gótico. En el siglo XV el tema de la Piedad adquiere especial importancia, y veremos a un Cristo muerto en el regazo de una Virgen madre desconsolada por la muerte de su hijo, como cualquier madre, y en la Virgen con el Niño veremos una escena doméstica con una madre feliz y un niño Jesús ya con rasgos infantiles y en actitud juguetona, nada que ver con la Virgen románica seria y solemne en su trono y un niño que de niño solo tenía el nombre.  Aparecen temas profanos nuevos, como el retrato.
• Finalidad didáctica, al igual que en el Románico, pero ya no se enseñan las escrituras mediante un dios temible que infundía miedo, sino que ahora es un dios cercano, amable y capaz de escuchar a sus fieles y hasta de perdonarles sus pecados.
• Materiales nuevos. Se siguen usando la piedra y la madera fundamentalmente, pero a diferencia del Románico, ahora se prefieren piedras calizas y el alabastro, más blandas y dúctiles, con lo que los escultores pueden obtener finos detalles, esculpir ropajes con pliegues y hasta imitar la textura de prendas y accesorios. 

Tipologías

Pórtico gótico Imagen de Jokinzuru en Wikipedia. Licencia CC

En sus inicios el gótico continúa los tipos escultóricos románicos, y está muy condicionada a la arquitectura, aunque las figuras parece que estén menos aprisionadas en los espacios, parece que están mas cómodas en sus destinos, y con el tiempo irán ganado volumen hasta salir de los muros y portadas para volverse exentas e independientes.

Las portadas de las catedrales serán los lugares por excelencia de los relieves góticos, donde se concentran la mayor cantidad de esculturas. Las partes de una portada gótica son:

• Tímpano: la parte más importante, de forma semicircular u ojival, ocupa el centro del arco de la portada justo encima del dintel de  la puerta de acceso. Puede estar dividido en franjas horizontales y la iconografía suele ser el Juicio Final o la imagen del Pantocrátor, aunque en ocasiones también se dedica a la Asunción o Coronación de la Virgen.
• Jambas: son las columnas de las que parten los distintos arcos que conforman el pórtico enmarcando la puerta, donde se sitúan santos y profetas.
• Arquivoltas: son esos arcos abocinados concéntricos que parten de una jamba de un lado, recorren el arco y se unen a la jamba del otro lado. En las arquivoltas se sitúan las esculturas de menor tamaño de ángeles, santos y los ancianos del Apocalipsis.
• Parteluz: columna o pilar que divide en dos la puerta de acceso a la catedral, con  la Virgen o el santo al que va dedicada la catedral. 

Vemos el mismo esquema románico de portada pero ahora se multiplica el número de figuras no solo en las portadas, sino en las portadas laterales, en las capillas, en los techos en forma de gárgolas, en los pináculos, y van ganando volumen, dejando el bajo y medio relieve para adoptar las formas más voluminosas del alto relieve. 

Durante los siglos XIV y XV aparece una nueva tipología: la escultura funeraria, los sepulcros, en donde el yacente adopta varias posturas: recostado, arrodillado o tumbado boca arriba. De los primeros sepulcros adosados a la pared se evoluciona a los sepulcros exentos esculpido en todos sus lados. Y como no, los retablos, existiendo un buen número de ellos realizados íntegramente por esculturas, de madera o alabastro.

A estas tipologías hay que añadir las esculturas de bulto redondo, destacando los Crucificados, las Vírgenes con el Niño y la Piedad.  

La talla en piedra y madera.

La técnica de la talla ha variado poco desde la antigüedad.

Los escultores primero hacen un pequeño modelo en arcilla o yeso de la pieza, y con ayuda de herramientas de metal como el buril, el cincel y las gubias, van obteniendo las formas de los bloques de piedra y madera, ayudándose de un artefacto llamado máquina de sacar puntos.

Consiste en una serie de varillas metálicas articuladas que terminan en una afilada de sección triangular, que van midiendo los puntos más importantes del modelo de la escultura, y se van pasando al bloque de piedra o madera para ayudarle al escultor a saber por dónde tiene que rebajar el material. Sobre todo es mu útil para medir la profundidad de las zonas más interiores como los ojos, el cuello y detalles de manos etc.

En numerosas ocasiones las esculturas se policromaban con ricos y variados colores al temple, y en el caso de las esculturas de madera, mediante la técnica del estofado. 

La técnica del estofado

Detalle de un estofado Imagen de Luis F. García en Wikipedia. Licencia CC

El término estofado proviene del italiano stoffa que significa tejido o tela rica, y se utilizan láminas de oro, plata o cobre  en escultura sobre madera para recrear las vestimentas de las figuras.

Una vez que está lista la pieza y la superficie sobre la que se va a estofar está perfectamente limpia y lisa, se aplica una mano de cola de conejo templada que hará las veces de adhesivo de la pintura y evitará que se escame  con el paso del tiempo. Una vez seco, se aplica el mismo gesso que el usado en las imprimaciones de las tablas y se lija para conseguir una superficie lisa y homogénea. Y ahora se aplica el mismo bol con arcilla  roja de Armenia que el usado para dorar una tabla, y una vez seco, se vuelve a lijar y se da otra mano de cola de conejo. Cuando la cola esté mordiente, esto es, ni muy húmeda ni seca del todo, vamos aplicando las láminas de pan de oro o de cualquier otro metal, depositándolas suavemente sobre la escultura y presionando suavemente con un trozo de algodón o con los dedos para ayudar a su fijación  eliminar las partes sobrantes de las láminas. Es lo que se conoce como esgrafiado. Después se pule con piedra de ágata y se aplica el color al temple.

Una vez seca la capa de pintura, se calca el dibujo de ese paño o tejido y se va raspando suavemente con un punzón para recuperar el dorado de las láminas. El estofado más usual era el de pan de oro sobre fondo rojizo, pero también se estofaban con láminas de plata sobre fondo azul, e incluso con láminas de cobre.

Para finalizar, se daba una mano de barniz de goma laca o de cera.