2.1. El Pop Art: características y técnicas

Retroactive I, obra de R. Rauschemberg, 1963. Imagen de Thomas Hawk en Flickr. Lic. CC

A finales de los años cincuenta aparece un movimiento que quiere recuperar lo que supuestamente el expresionismo abstracto había roto, el puente entre el arte y el público; pero también había roto el mercado y sólo los coleccionistas con suficientes medios podían adquirir arte («ponga un Pollock en su salón» no hubiese colado). Sin duda, el arte pop nace al otro lado del Atlántico, pero puede decirse que su origen es anglosajón, pues se impondrá en todos los ámbitos a la par que el inglés, la nueva lengua universal. Una vez más, se trataba de hacer patente la supremacía cultural del Imperio.

Este arte aparece unido indisolublemente a lo urbano; de hecho, tuvo su centro en las ciudades de Nueva York y Londres, los grandes mercados (la Bolsa: la City y Wall Street). Muchos de los elementos populares que inspiran las obras del arte pop provienen de esas ciudades (el ejemplo clásico: reiteración hasta la náusea de la bandera de barras y estrellas): ¿quién no sabe lo que son unos jeans o no identifica a Marilyn o el Golden Gate o Central Park? De manera que los temas de este arte no son los que podríamos llamar «tradicionales», sino que parecen ser más bien motivos de consumo o de propaganda (publicidad). Quizás por esto, algunos entienden que el arte pop tiene un fuerte contenido de crítica social, aunque en realidad parece que sólo reproduce los modelos de la cultura dominante (de consumo). El uso de ciertas técnicas hace que sea fácilmente reproducible y vendible («ponga un Warhol en su salón» suena mejor). 

Sin duda, se trata de un arte figurativo, realista en cierto sentido, que se usa gran variedad de técnicas: desde el collage a la pintura acrílica pasando por el óleo y el grabado o la serigrafía; también usaron el poliéster, plásticos diversos y gomaespuma. Con frecuencia, se busca la precisión (orden/armonía) en la composición y esto hace que los espacios estén perfectamente ordenados . En apariencia al menos, estas características hacen que detrás de la obra el artista desaparezca (eliminación de la subjetividad), quizás como expresión de una mentalidad que hace del consumo la única finalidad de la existencia.

En ocasiones encontramos efectos que buscan afectar al espectador: movimiento, inversión de los colores (como los negativos de las placas fotográficas), alteraciones del tamaño de los objetos… La repetición de las imágenes es una técnica habitual en el arte pop. En todo esto se emplea lo que podría denominarse líneas bien definidas y colores planos de manera que se vea con claridad, aunque en ocasiones sea preciso cambiar la perspectiva para apreciar todas las posibilidades de la obra. Sin embargo, en pintura el volumen suele estar ausente en el arte pop (ni como color ni, por supuesto, como sombra). De hecho, el color, además de plano, tiende a ser brillante y puro, es decir, no tiene matices (sin sombras ni zonas oscuras).

Los artistas del arte pop usaron, además, técnicas que provenían de la publicidad (en la que la reiteración juega un papel primordial) y objetos del consumo de masas: marcas, comics, señales de tráfico, anuncios…

La sociedad está presente en la temática: la guerra de Vietnam, el erotismo, el consumo o incluso la fama y la moda. Sin embargo, como hemos dicho, parece ausente una crítica radical—de raíz—a la sociedad que produce esos fenómenos. Quizás pueda definirse este arte como arte para el consumo por lo que su supuesto talante crítico es mucho menor de lo que puede suponerse.