Al igual que en el resto de Europa, el Barroco perdurará en España durante el siglo XVII y la primera mitad del XVIII, si bien es cierto que en algunas zonas su desarrollo puede extenderse hasta casi la llegada del XIX. La monarquía hispánica era en esta época la gran defensora de los valores de la Reforma Católica y esto quedará reflejado en el arte, tanto en su temática como en el uso propagandístico que le fue asignado desde las altas instancias del poder político y eclesiástico.

El Barroco constituye la época predilecta de la cultura española. Ningún estilo arraiga tanto en el gusto de población como éste. La evolución de las diferentes disciplinas artísticas del barroco español se podría resumir en:

ARQUITECTURA

La arquitectura barroca española será una mezcla de sobriedad y ornamentación. Se mantienen los esquemas fundamentales del edificio bajo renacentista pero con una abundante decoración. Los materiales utilizados suelen ser bastante pobres y por lo común se opta por una arquitectura de líneas rectas en la que los edificios más repetidos son las iglesias de nave única con numerosas capillas entre los contrafuertes. 

El establecimiento de la corte en Madrid supondrá el impulso necesario para acabar con la austeridad arquitectónica de finales del XVI y poder emprender nuevos proyectos. Entre las principales construcciones destaca la Plaza Mayor de Madrid (1617-1619), con la que crea un nuevo tipo arquitectónico de plaza cerrada, cuadrangular y rodeada de edificios porticados de la misma altura. 

Plaza Mayor de Madrid Imagen de Sebastian Dubiel en Wikipedia. Licencia CC	Fachada del Obradoiro en Santiago de Compostela Imagen de Vasco Roxo en Wikipedia. Licencia CC

 Con la llegada de la segunda mitad del XVII la actividad arquitectónica abandona de la estética clasicista herreriana. Son muy interesantes la configuración de las fachadas, por lo general monumentales y agitadas al mismo tiempo. Los mejores ejemplos los tenemos ya en el siglo XVIII en obras como la fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago, de Fernando Casas Novoa, posiblemente la obra cumbre de la arquitectura barroca española. 

Andalucía encontrará su propio lenguaje de la mano, sobre todo, de la pervivencia de cierta esencia mudéjar en las construcciones. Sevilla producirá los edificios más interesantes, principalmente gracias a los hermanos Figueroa. Aquí la decoración será muy abundante y se introducirá el ladrillo rojo. Ejemplo de todo esto serán edificaciones como el Palacio de San Telmo o la Iglesia de San Luis de los franceses en Sevilla. Fuera de la capital hispalense también son muy destacables la Fachada de la Catedral de Granada construida por Alonso Cano o la labor de López Rojas en la Fachada de la Catedral de Jaén. 

Interior de  San Luis de los Franceses en Sevilla Imagen de Jose Luis Filpo Cabana en Wikipedia. Licencia CC	Palacio de San Telmo de Leonardo Figueroa.  Imagen en Wikimedia Commons de Anual bajo CC

 

Pese a todo lo visto, la plenitud arquitectónica barroca no llegará a España hasta que en la primera mitad del XVIII aparezca en Castilla el madrileño José de Churriguera y todo su círculo familiar, un genio que impondrá un estilo lleno de expresividad, vitalidad y libertad en el que la decoración será el principal protagonista de su arte. Un estilo éste que será denominado como churrigueresco y que los sucesores de José irán volviendo cada vez más recargado y retorcido. Como obra más significativa podemos nombrar a la Plaza Mayor de Salamanca de Alberto de Churriguera y el retablo de la iglesia de San Esteban en la misma ciudad por su hermano José Benito.

La Plaza Mayor de Salamanca, Alberto de Churriguera. Imagen de Eigines Werk en Wikipedia. Licencia CC	Retablo de la iglesia de San Esteban en Salamanca de José de Churriguera Imagen de zarateman en Wikipedia.LicenciaCC

ESCULTURA

La escultura barroca española parte de los presupuestos manieristas para poco ir iniciándose en la captación de lo natural e ir intensificando la carga emocional y el movimiento hasta llegar a lo propiamente barroco.

El realismo será la característica más destacada de esta escultura y la temática será casi exclusivamente religiosa. La iglesia era casi el único cliente de los escultores barrocos y la elaboración de retablos y esculturas procesionales serán la constante en estos siglos. La madera fue el material por excelencia, la cual se policromaba posteriormente a su talla, algo que no ocurría en el resto de Europa y que otorgaba aún más realismo a las creaciones.

Se puede hablar claramente de la existencia de dos grandes escuelas escultóricas en la España barroca: la andaluza, contenida y sosegada aunque sin perder la carga espiritual, y la castellana, con un patetismo mucho más violento y emocional (a veces incluso rayando la fealdad). Esta diferenciación puede reafirmarse aún más observando la variedad de policromía que empleaban ambas escuelas. Si en Andalucía se prefería la elegancia del fondo de oro, en Castilla se optaba más por los colores desgarradores.

Dentro de Andalucía, Sevilla y Granada serán los centros más importantes gracias su situación económica de prosperidad.

Presentación de elaboración propia.

PINTURA

El barroco supone el culmen de la pintura española. También en esta disciplina triunfan el realismo y el patetismo. Se usan tipos naturales y se expresan las pasiones del alma aunque generalmente de forma sosegada. El punto de partida para pasar de la pintura renacentista a la barroca será el impacto que vive toda Europa con la aparición de Caravaggio y su Tenebrismo. Todos los autores y escuelas de nuestro país seguirán en mayor o menor medida las aportaciones de Caravaggio en el estudio de la luz. Además ahora se optará por una pintura por lo general de mayor intimidad que la anterior, temática normalmente religiosa y en la que se procura evitar cualquier asomo de sensualidad. Se puede hablar de la existencia de tres escuelas diferentes: la escuela andaluza, la valenciana y la madrileña. La que se desarrolla en Sevilla será la más importante que hay en España con figuras como Velázquez (etapa sevillana hasta 1723), Zurbarán, Murillo, Herrera el Mozo o Valdés Leal.

La escuela sevillana de pintura en el siglo XVII fue la más importante de España
Video de ARTEHISTORIA en youtube.

Diego de Silva Velázquez nació en Sevilla en junio de 1599. De madre sevillana y padre portugués, con 10 años ingresó en el taller de Herrera el Viejo, aunque solo un año más tarde pasaría al de Pacheco, un conocido pintor de la época, con cuya hija Juana se casaría Velázquez en 1618. 

En 1622 marcha a Madrid con la intención de introducirse como pintor de la Corte, cosa que logrará tras algún intento fallido, cuando, gracias a la mediación del Conde-Duque de Olivares, logró retratar al rey Felipe III, quien rápidamente le nombró pintor real. En la capital fue progresivamente mejorando su estatus y pudo conocer entre otras la obra del Greco o los pintores flamencos. Por consejo de Rubens, al que conoce en 1628, marchó una temporada a Italia y volvería dos décadas más tarde por orden del rey para decorar el Palacio del Buen Retiro de Madrid. Nombrado aposentador mayor de palacio, el más alto cargo que podía detentar un funcionario en 1658 fue nombrado caballero de la Orden de Santiago, aunque finalmente le fue retirada tal dignidad por no gustar sus tendencias liberales en determinados círculos de la Corte. En 1660, tras una corta enfermedad, Velázquez muere siendo llorado incluso por el rey Felipe IV. Fue enterrado con honores de caballero de Santiago.

Velázquez en Las Meninas. Imagen de Mangostar en Wikipedia. Licencia CC

Velázquez fue un pintor con una gran formación intelectual que, por su afán perfeccionista, nunca descuidó. Prueba de ello la tenemos en las constantes rectificaciones y arrepentimientos de sus obras. Estudia cuidadosamente todas sus composiciones, que irán evolucionando desde las actitudes forzadas y la superposición de personajes en sus inicios al movimiento y las elaboradas composiciones de su madurez. Sus dos grandes preocupaciones fueron el realismo y la luz.

• Es un realismo que no se recrea en el dramatismo como otros, sino lleno de humanidad. Hasta cuando retrata seres deformes dota a sus figuras de una gran dignidad.
• Respecto a la luz, basta con decir que dedicó toda su vida a estudiarla. El tenebrismo artificial y amarillento de su etapa sevillana será paulatinamente sustituido por una luz que no solo ilumina, sino que permite ver hasta el aire que se interpone entre ella y el objeto. Lo hace disminuyendo la precisión a través de una pincelada casi impresionista y aclarando la paleta de colores. 

Velázquez, pintor de pintores.
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