1.4. Abstracción y Neoplasticismo

Con el arte abstracto llegamos por fin a ver cómo la realidad figurativa desaparece. Tras haberla exagerado en sus aspectos cromáticos, fragmentando en múltiples puntos de vista, verla moverse a gran velocidad, deformarla para captar su psicología interior y demás experimentos modernos, se llega a prescindir de ella por completo.  Los primeros pintores abstractos tienen muy presentes a los artistas post impresionistas, a esas últimas obras de Van Gogh donde apenas hay grandes pinceladas, las formas geométricas de Cezánne, la sucesión de puntos colores de Seurat, y claro, otra vez la fotografía que ya a principios del siglo está plenamente asentada como un medio que capta la realidad y hace que los artistas busquen un nuevo lenguaje plástico. Con la abstracción, ese nuevo lenguaje prescinde por completo de la realidad y utiliza los códigos propios del arte, el color, la línea, las texturas, para dejar hablar al propio arte.

Ya conoces a Wassily Kandinsky como un pintor expresionista pero su gran aportación al arte fue  la invención de las primeras pinturas abstractas allá por 1910. Es la época de sus primeras acuarelas abstractas, en donde ya no hay ninguna referencia explícita a la realidad. Kandinsky, que también era músico, defendía que la pintura se debe a una necesidad interior. La misma necesidad que ordena las composiciones musicales, es la que ordena las formas y colores en una pintura. Para Kandisnky, el primer gran teórico del arte del siglo XX, la música es la más abstracta de las artes, y existe una profunda relación entre los sonidos y los colores, lo que se denomina como sinestesia. 

Hilma af Klint. Composición n. 3, 1907 Imagen en Wikipedia de Dominio público	Kandisnky. Fuga, 1914 Imagen en Wikipedia de Dominio público	Hilma af Klint. Figura n. 5, 1907 Imagen en Wikipedia de Dominio público

Portada de Punto y Línea sobre el plano Imagen en Wikipedia de Dominio público

El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es el teclado. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana. Con este fragmento de su libro De lo  espiritual en el arte de 1911 nos hacemos una idea de lo que significa la sinestesia para Kandinsky, la capacidad de tener percepciones múltiples, de mezclarse las sensaciones entre sí. Los sonidos generan colores y viceversa. El rojo suena a trompetas, el azul a flauta, verde es el color del violín, naranja es el color de la viola, el violeta es un fagot, etc. 

De lo espiritual en al arte y Punto y línea sobre el plano son dos libros de Kandinsky fundamentales para todo el arte creado a partir de 1911. En ellos defiende que el arte se debe a una necesidad interior del artista, que debe escuchar y dotar de vida a estos elementos básicos de la pintura para llegar a la belleza intrínseca de estas formas. Libros cargados de gran espiritualidad y simbolismo, describe a la perfección sus experiencias sinestésicas, a la vez que describe los elementos básicos del lenguaje visual.  El punto es el elemento más básico, que al desplazarse se convierte en una línea, que variará su tonalidad según se trate de líneas verticales, de tonalidades claras cercanas al amarillo, u horizontales, con tonos más oscuros y fríos cercanos al azul y negro. Los planos están delimitados por líneas horizontales y verticales y variaran de tonalidad según su distribución en el lienzo y su forma. 

Mondrian. Composición, 1921 Imagen en Wikipedia de Dominio público

Tras la aportación de Kandisnky y sus primeras obras abstractas, la abstracción deriva hacia la década de 1920 hacia una nueva tendencia denominada Neoplasticismo en la que Mondrian jugó un papel decisivo. Tomando los principios que Kandisnky expuso en De lo espiritual en el arte, Mondrian defiende una concepción analítica del arte, que vaya más allá de las apariencias externas y plasme lo esencial de las formas, su verdad matemática y el espíritu mismo de las cosas, que a diferencia de su apariencia externa cambiante y caprichosa, sigue unas pautas regulares y eternas.

En palabras del propio Mondrian: todo artista verdadero ha sido siempre inconscientemente movido por la belleza de la línea, del color y de las relaciones entre ellos y por lo que sean capaces de representar.

Las características del Neoplasticismo son:

• Uso de líneas rectas horizontales y verticales, planos rectangulares y ángulos rectos.
• Uso de formas geométricas básicas y simples. Se elimina todo lo superfluo y anecdótico para llegar a la esencia.
• Perfección y armonía en lo sencillo, en lo fundamental.
• Colores primarios más el blanco y el negro: rojo, amarillo y azul.
• Composiciones regidas por módulos sencillos como el cuadrado, buscando un lenguaje objetivo y universal.
• Arte equilibrado, optimista, armónico, en armonía con el universo. 

Van Doesburg. Composición XV Imagen en Wikipedia de Dominio público

El Neoplasticismo es también conocido como De Stijl, El Estilo, o también Constructivismo holandés por ser Holanda el centro de este movimiento que cambió las artes para siempre y que tuvo una especial incidencia en la arquitectura.  El movimiento se fundó en Leiden, Holanda, en 1917, y tuvo como máximos exponentes a Gerrit Rietveld, Theo Van Doesburg, Klee y Mondrian.

En la aparente sencillez de las obras de Piet Mondrian subyace un profundo análisis de lo puro, lo universal, esa estructura básica que rige y ordena todo lo que vemos, eliminando lo superficial para centrarse en la esencia. Por eso utiliza sólo colores primarios y franjas verticales y horizontales de negro. 

Rietveld. Silla roja y azul Imagen de Ellywa en Wikipedia bajo Licencia GNU

Theo van Doesburg fue además de pintor, un excelente arquitecto que sentó las bases de la arquitectura racionalista que tanta influencia posterior tuvo. Fundador junto con Mondrian de la revista De Stijl, su pintiura evolucionó a lo que él denominó Elementarismo, con el uso de diagonales y colores disonantes que añadían tensión y movimiento al neoplasticismo.

A Gerrit Rietveld le debemos el diseño de asombrosas sillas que son todo un icono de la pasada centuria, así como edificios emblemáticos como el Museo Van Gogh de Ámsterdam. 

Junto con su marido Robert, Sonia Delaunay fue una de las grandes figuras del arte con una enorme producción que abarca el diseño, la pintura y la moda, desde el realismo pasando por el cubismo, la abstracción y el neoplasticismo. Fue la primera mujer en ver su obra expuesta en el Louvre cuando aun estaba viva. Su primera obra abstracta fue una colcha que realizó con retales de diferentes materiales. Desde entonces su vasta producción incluye cuadros, portadas de libros, vestidos, telas, escenografías y un sinfín de piezas clave para entender el siglo XX. Junto a su marido funda en 1913 el Orfismo, que lo definía de este modo: mientras el cubismo tiende al dibujo integral, el orfismo es una búsqueda del color puro. Frente a los cuadros cubistas, generalmente de tonos neutros, los cuadros órficos serán deslumbrantes de colores.

Delaunay. Prismas, 1914 Imagen en Wikipedia de Dominio público	Delaunay. Ritmo, 1938 Imagen en Wikipedia bajo Licencia Fair use