3.1. Escultura
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| Perseo con la cabeza de Medusa Imagen de Wikimedia Commons de Tetraktys bajo CC |
La escultura neoclásica, al igual que ocurre con la arquitectura y la pintura, vuelve de nuevo su mirada hacia la antigüedad. Entre los valores clásicos que se retoman podemos destacar los siguientes rasgos:
- Tal y como los teóricos del momento indicaban (Winckelmann, por ejemplo), las figuras debían expresar serenidad, así como conseguir el equilibrio y la proporción.
- La temática mitológica será una constante en la estatuaria neoclásica. Esto es así por un lado por la iniciativa de imitar a los modelos clásicos; pero por otro ser una tendencia contraria al barroco, estilo que se identificaba profundamente con la iglesia. Otra temática frecuente es el retrato, normalmente, idealizado, a veces incluso como dioses propios de la mitología.
- El material empleado es el mármol blanco, sin policromar, pues los modelos clásicos que se conocían habían perdido cualquier resto de color.
- En realidad, se trata de rehacer prototipos clásicos, sin infundirle ninguna esencia propia como sí se hizo durante el Renacimiento.
Todas estas características hacen que las esculturas neoclásicas provoquen una sensación de extraordinaria homogeneidad. La escultura del neoclasicismo no tiene un foco principal de desarrollo, sino que prospera en toda Europa. A pesar de ello, no existen diferencias profundas entre las distintas escuelas.
Serán Canova y Thorvaldsen los principales representantes de esta corriente.
Importante
Caso de estudio
Lee el siguiente texto y contesta a las preguntas:
"Aristóteles aceptó la tradición procedente de los pitagóricos: la belleza es proporción. Pero añadió algunos rasgos que iban a tener una difusión considerable. Consideró que la belleza era un valor en sí misma (lo bello es valioso en sí mismo, afirma en la Retórica) e introdujo el agrado como referente... Para Aristóteles el placer que suscita lo bello se debe precisamente a lo valioso que en sí mismo es. El agrado del que habla el filósofo es el que se produce al ver objetos bellos, la bella naturaleza y la visión juega aquí un papel relevante. Por su parte Winckelmann se identifica con esta concepción del arte y así afirma que "la belleza que debemos imitar, la que debe servirnos de guía, es la de los griegos. Es en el arte griego y en el mundo griego antiguo, donde encontramos la belleza ideal y, si queremos ser grandes (en el caso de que podamos lograrlo), es a los griegos a quien debemos imitar."
V. BOZAL: Historia de las ideas estéticas I.
1. ¿En qué estilo la belleza significa proporción?
2. Busca información en internet sobre Winckelmann ¿Quién era?
3. ¿Qué significa la belleza para Winckelman?
4. ¿Qué arte imita el neoclasicismo? ¿Por qué?
5. ¿Existe hoy algún modelo en el arte?
ANTONIO CANOVA
Antonio Canova desarrolla su obra en Italia, su país natal. Aunque sus maestros fueron barrocos, él pronto se suma a las directrices de los grandes teóricos del neoclasicismo. Busca en sus esculturas, por tanto, el ideal clásico de la belleza, es decir, la proporción y el equilibrio, todo ello dotado de una cierta dosis de idealismo. Son destacables sus acabados resplandecientes que pulimenta con piedra pómez, dotando a sus imágenes de una texturas suaves. A pesar de la frialdad aparente de sus esculturas, no es ajeno a la captación de las sensaciones, concediéndoles gran sensibilidad.
EROS Y PSIQUE
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| Eros y Psique Imagen en Wikimedia Commons de Siren-Com bajo Dominio Público |
El conjunto escultórico de Eros y Psique supone una de las obras más interesantes de Canova. La obra está dotada de una idealización sosegada, aunque el momento elegido esté totalmente exento de espontaneidad. Eros se reclina sobre su amada que había caído en un profundo sueño tras infringir las normas de Venus. La diosa le había prohibido abrir el frasco del elixir de la eterna juventud.
Psique rodea el cuello de Eros justo en el instante en que se acercan para besarse, pero aún no lo han hecho. Este acto, que todavía no se ha producido, da a la escena una gran tensión, que está centrada fundamentalmente en la zona remarcada por los brazos de Psique. El resultado es una composición en X que invita al movimiento. Las esculturas están envueltas por una gran sensualidad, acentuada por los cuerpos tan suaves de los dos jóvenes, conseguidos con la técnica de pulido del mármol que empleaba Canova.
Este grupo, refleja cómo lo divino (encarnado por Eros como símbolo del amor de lo Eterno) y lo humano (simbolizado por Psique como alegoría de los devaneos del alma) están a punto de fundirse por un beso.
Cuando esta escultura llegó a manos de Napoleón tras haber sido expoliada por uno de sus generales, Murat, causó tal admiración al emperador que se convirtió en admirador de muchas de sus obras.
PAULINA BONAPARTE
Paulina era hermana del emperador. Aparece recostada sobre un diván a modo de Venus victoriosa, con la manzana del triunfo tras haber sido la ganadora del juicio de Paris, según el cual, había sido elegida como la más hermosa.
La representación de Paulina como Venus supone una justificación para mostrar el desnudo femenino como ideal, en este caso con toda su sensualidad. Las calidades del mármol son excelentes, desde la suavidad de la piel hasta el aspecto esponjoso del colchón del canapé.
La expresión del rostro es inaccesible, sin que nos podamos acercar a la psicología de la retratada. Esta característica otorga a la expresión, un fuerte idealismo que hace que la figura quede exenta de ser captada en un momento concreto y fugaz, sino que por el contrario pretende ser más bien un símbolo ejemplarizante de poder y belleza.
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| Paulina Bonaparte Imagen en Wikimedia Commons de shakko bajo CC |
