Italia es el país donde se produce la gran renovación de la música en el barroco, y especialmente en la ciudad de Venecia, cuna de la revolución de la música barroca. En esta época se crean nuevas composiciones musicales tanto para la música profana como dentro de la música religiosa, siendo la basílica de San Marcos el gran epicentro de las nuevas corrientes musicales.

Vermeer, Mujer sentada tocando el virginal, 1672 Imagen en Wikipedia de Dominio público	Baschenis, Instrumentos musicales del silgo XVII Imagen en Wikimedia de Dominio público

En el Barroco se establece la orquesta, que toma su término de la zona semicircular de los teatros griegos donde actuaban el coro y los músicos, que significa literalmente lugar para danzar. La orquesta que se establece en este periodo no es tan grande como en el Romanticismo pero ya se trata de un grupo perfectamente establecido que interpreta tanto partituras para óperas como piezas compuestas para ella. La orquesta se organiza en torno a los instrumentos de cuerda con el siguiente esquema:

• Instrumentos de cuerda, unos veinte, entre los que se encuentran los violines, violas, violonchelos y contrabajos. El violín es el instrumento estrella de todo el Barroco.
• Instrumentos de viento como las flautas, oboes y trompetas.
• Instrumentos de percusión, como los timbales.
• Clavicémbalos, arpas y órganos que realizan el tan característico bajo continuo.

Entre las composiciones para orquesta barrocas podemos destacar la suite, que utiliza el típico contraste barroco entre los instrumentos; la sonata, que puede estar destinada a un solo instrumento como el clavicémbalo, o a dos como el clavicémbalo y el violín, o a tres llamándose sonata para trío al que se le suma la flauta; el concerto, estructurado en tres movimientos: allegro, lento y allegro, y la fuga, composición tanto instrumental como vocal que gira alrededor de una melodía que va variando en cuanto al ritmo y los instrumentos que intervienen. 

Vivaldi Imagen en Wikipedia de Dominio público

La música barroca en Italia

El barroco se gesta en Italia de la mano de Claudio Monteverdi, figura clave en la transición entre las macicas renacentista y barroca. Nacido en Cremona, será en Venecia donde componga sus mejores obras pues fue el director del coro de la Catedral de San Marcos. Además de Orfeo, la primera ópera de la historia estrenada en 1607, también compuso Arianna y La coronación de Popea, con la que inauguró el primer teatro de la ópera de Venecia, además  de numerosos madrigales y misas.

Alessandro Scarlatti es otra pieza clave de este periodo, famoso por sus más de cien óperas en donde estableció la forma de las arias y perfeccionó todo su lenguaje, en especial las oberturas. También perfeccionó las cantatas, componiendo alrededor de seiscientas cantatas que hicieron las delicias de las refinadas cortes Europas entre las que se encontraban las de la reina Cristina de Suecia o del Cardenal Pamphili. Su hijo Domenico Scarlatti fue el músico de más éxito de la corte española de Felipe V. 

Antonio Vivaldi fue una de las figuras más importantes de la música, con una extensa producción que abarca desde óperas a conciertos y que comenzó en su Venecia natal para expandirse por todo el mundo e influenciar notablemente  al resto de compositores, como Bach. Su máxima aportación a la música fue el establecimiento de la estructura formal y rítmica de los conciertos para orquesta, que rebosan vitalidad, entusiasmo y melodías innovadoras, como su famoso concierto Las cuatro estaciones, compuesto alrededor de 1720 y que ha pasado a la historia como una de la piezas más reconocidas de la música de todos los tiempos. 

Representación de una ópera francesa Imagen en Wikipedia de Dominio público

La música cortesana barroca en Francia

Durante los siglos XVII y primera mitad del XVIII la música barroca será eminentemente  profana y girará en torno a la poderosa corte de Versalles. Jean-Baptiste Lully fue el compositor y violinista más famoso de la corte de Luis XIV, nombrado director musical de la familia real francesa. Estableció el formato de la ópera francesa que él denominó tragedias musicales, que se distinguen de las italianas por su compleja puesta en escena, sus elaborados números de danza y ballet y su aire solemne y majestuoso. En colaboración con el dramaturgo Moliére compuso numerosas comedias ballets, y entre sus numerosas piezas cabe destacar su Perseo, Amadis de Gaula y Acis y Galatea.

Su discípulo y sucesor será Jean-Philipe Rameau, el más grande teórico musical del siglo XVIII escribió varios tratados fundamentales sobre armonía, así como numerosas obras para clavicémbalo y óperas clásicas como Hipólito y Aricia, Las indias galantes y Platea.